''J'ai souvent pensé à me suicider, mais ça voulait dire rater le prochain Stones."
Patti Smith
Source: Classic 21
mardi 29 avril 2014
Citation du jour
''J'ai souvent pensé à me suicider, mais ça voulait dire rater le prochain Stones."
Patti Smith
Source: Classic 21
Candlestick Park: Macca & démolition...
Le légendaire bassiste gaucher reviendra pour la première fois sur le site du dernier concert des Beatles.
Le dernier concert de sa tournée ''Out There'' se tiendra au Candlestick Park de San Francisco, le tristement célèbre stade où les Beatles ont réalisé leur dernier concert ensemble, si on ne prend pas en compte le concert sur les toits d'Apple en 1969. Ce sera également une dernière pour la salle puisque McCartney est le dernier artiste qui y est programmé avant sa démolition, histoire de boucler la boucle.
Selon le San Francisco Chronicle, c'est le maire de San Francisco Ed Lee qui a invité personnellement McCartney. "C'est une légende, et je suis très heureux qu'il ait accepté de revenir au Candlestick pour donner à cet endroit fabuleux l'adieu qu'il mérite", a-t-il déclaré. Ce concert très attendu aura lieu le 14 août prochain. Curieusement, ce ne sera que la deuxième fois que McCartney joue à San Francisco, depuis ce fameux concert du 29 août 1966 au Candlestick Park avec son premier groupe.
Judas Priest: Nouvel opus pour le 15 juillet prochain
Le groupe de heavy metal anglais annonce la sortie d'un nouvel album pour le 15 juillet.
Pour faire patienter les fans et leur donner un aperçu des sonorités de l'album, le groupe vient de sortir le titre éponyme ''Redeemer Of Souls'', que vous pouvez découvrir au bas de cette page. C'est le premier titre que Judas Priest publie depuis six ans, et cela avec la participation de leur nouveau guitariste Richie Faulkner, 34 ans.
Le leader et chanteur du groupe Rob Halford a qualifié l'album de "très lourd, bien heavy", avant d'ajouter que "ce sera un grand moment pour Judas Priest et pour le métal". Ce retour à des sonorités plus lourdes n'est sans doute pas étranger à l'accueil plus que mitigé qu'avait reçu leur précédent album, ''Nostradamus'', paru en 2008 et à l'occasion duquel on avait reproché au groupe d'être "trop aventureux musicalement". Pour mettre les choses au clair, le guitariste Glenn Tipton précise ainsi à son tour que "du début à la fin, ''Redeemers Of Soul'' contiendra 13 chansons de pur métal estampillé Judas Priest". Voilà de quoi enthousiasmer les fans de la première heure du groupe de métal de Birmingham.
lundi 28 avril 2014
Willie Nelson à l'honneur
L'icône de la musique country a été introduit au Austin City Limits Hall Of Fame ce samedi.
Austin City Limits est une des plus vieilles émissions musicales américaines, ainsi que l'une des plus regardées dans le pays. Plus encore, ce show aurait contribué à établir Austin, capitale, du Texas, comme le "centre mondial de la musique live". C'est Matthew McConaughey, l'acteur texan récemment oscarisé, qui s'est chargé du discours d'introduction lors de la cérémonie d'honneur qui s'est déroulée samedi dernier. "Il n'y aurait pas d'Austin City Limits sans Willie Nelson" a déclaré McConaughey, avant de rappeler que la légende de la country était le premier musicien à s'être produit dans l'émission, qui est la seule à avoir reçu la Médaille des Arts en 2003.
Après le discours élogieux de l'acteur, Willie Nelson est monté sur scène en compagnie d'Emmylou Harris pour entamer un concert comprenant une reprise du classique de Stevie Ray Vaughan, "Texas Flood". Le défunt guitariste texan, ainsi que son groupe Double Trouble, étaient également intronisés au Hall Of Fame des Austin City Limits ce soir là.
Il faut préciser que Willie Nelson, âgé de 81 ans, est un des musiciens les plus respectés en Amérique. Ce n'est donc pas la première fois que celui-ci est honoré de la sorte puisqu'il fait partie du Country Hall Of Fame depuis 1993, il a reçu les Kennedy Center Honnors en 1998 et a plus récemment été accepté au National Agricultural Hall Of Fame en 2011, pour ses actions en faveur des ouvriers agricoles américains.
retour sur Le Record Store Day 2014
Le Record Store Day de cette année a battu tous les... records en chiffres de vente, plus particulièrement en vinyles.
Le Record Store Day qui s'est tenu le 19 avril dernier a été la plus fructueuse édition depuis sa création en 2007. Les chiffres sont parlants : en comparaison avec la semaine qui précédait le RS Day, les ventes ont augmenté de 91 % contre 59 % en 2013.
Le grand gagnant du Record Store Day cuvée 2014 n'est pas un artiste mais un objet. En effet, 2014 a vu le retour en force du vinyle dans la consommation de masse, puisque plus de la la moitié des ventes concernait ce format vintage, 58% exactement. Il est également frappant de constater que dans le top 10 des albums vinyles vendus, 5 artistes ou groupes n'existent plus ou sont morts : ainsi, l'on y retrouve des albums de Joy Division, du Grateful Dead, de Jimi Hendrix, des Ramones ou encore de Notorious B.I.G. Le single qui culmine au top des ventes de vinyle provient également d'un groupe disparu : le 45 tours de "Pennyroyal Tea" de Nirvana a cartonné le week-end dernier, probablement boosté par l'anniversaire de la mort de Kurt Cobain et l'introduction toute récente du groupe au Rock'N'Roll Hall Of Fame. Ci-dessous, vous trouverez les Top 10 complets des ventes de singles et albums en vinyle.
Top 10 des ventes d'albums en vinyles:
1. Childish Gambino, Because the Internet
2. Afghan Whigs, Do to the Beast
3. Notorious B.I.G., Life After Death
4. Bruce Springsteen, American Beauty
5. Jimi Hendrix, Live at Monterey
6. Grateful Dead, Live at Hampton Coliseum
7. Tame Impala, Live Versions
8. Joy Division, An Ideal For Living
9. Flaming Lips, 7 Skies H3
10. Ramones, Meltdown With the Ramones
Top 10 des ventes de singles vinyles
1. Nirvana, "Pennyroyal Tea"
2. Flaming Lips and Devo, "Gates of Steel"
3. The Cure and Dinosaur Jr, "Just Like Heaven"
4. David Bowie, "1984"
5. Love and Rush, "7 and 7 Is" (released as unnamed "mystery artists")
6. Frank Zappa, "Don't Eat the Yellow Snow"
7. Pantera and Poison Idea, "The Badge"
8. Paramore, "Ain't It Fun"
9. Fleetwood Mac, "Dragonfly"
10. Garbage, "Girls Talk Shit"
samedi 26 avril 2014
Des nouvelles de Métallica
Le groupe, dont le nouvel album progresse, est sur le point de choisir un producteur en vue de sa tournée américaine.
Six ans après leur dernier album, les membres de Metallica travaillent sur son successeur et se prépare à une tournée des festivals d’été. "Nous faisons des riffs et nous les mettons dans des morceaux. Mais nous ne faisons pas un morceau et puis le lendemain un autre. Nous travaillons juste sur des riffs et des sections, nous relions les riffs, les tempos et les ambiances" précise Lars Ulrich. Malgré tout, aucun calendrier n’est prévu pour la sortie de l’album. "Nous allons faire nos dates cet été puis nous allons vraiment travailler dessus" a ajouté Lars.
Et pour la tournée d’été, un site internet a été mis en place, Metallica By Request, afin que les fans choisissent les morceaux qui seront interprétés en live par le groupe. "Ceux qui possèdent leur ticket pour l’un de nos concerts peuvent aller sur ce site et voter pour l’un des titres que Metallica a enregistré. Il y en a 145, quelque chose comme ça. Nous jouerons les 17 premiers titres. C’est vraiment fun!"
Michael Jackson: la composition de l'album à venir
Les titres des huit morceaux qui figureront sur le nouvel album posthume de Michael Jackson ont été confirmés.
Comme nous vous l'avions annoncé en mars dernier, cet album est composé de huit titres inédits dont certains ont été produits par Timbaland. ''XSCAPE'' est un projet qui émane d'Antonio 'L.A.' Reid, le producteur exécutif du label Epic. Celui-ci a eu accès à la totalité du matériel vocal de l'artiste enregistré ces 40 dernières années pour dénicher des raretés susceptibles d'intéresser les fans du Roi de la Pop. Le géant de la téléphonie Sony Mobile a déclaré avoir convenu un accord avec Epic afin de permettre à leurs clients de télécharger gratuitement l'album le jour de sa sortie, le 13 mai prochain.
Voici la tracklist du second album posthume de Michael Jackson:
'Love Never Felt So Good'
'Chicago'
'Loving You'
'A Place With No Name'
'Slave To The Rhythm'
'Do You Know Where Your Children Are'
'Blue Gangsta'
'Xscape'
vendredi 25 avril 2014
Bientot un nouvel EP de Black Strobe disponible!
Musique: Un nouvel EP à venir pour Black Strobe http://GazetteParis.fr/2014/04/25/musique-un-nouvel-ep-a-venir-pour-black-strobe/
mardi 22 avril 2014
Critique Musicale: Sugar & Tiger – Télévisage (2014)
Les
tribulations « solitaires » d’un punk ouvrier
« Les
Wampas n'aiment pas les autres, ils n'aiment pas Kyo, et ils n'aiment pas la
variété pourrie !!!!! »
C’est assurément par,
et grâce, à cette logorrhée salvatrice que le (très) grand public aura
découvert le sieur Didier Chappedelaine, plus connu bien sûr sous le pseudonyme
de Didier Wampas, et son groupe du même nom. Les Wampas donc, qui par cette
belle soirée de 2003 réveillent par leur prestation énergique et endiablée une
assistance se trouvant déjà à moitié, ou presque, dans les bras de Morphée, la
cérémonie annuelle des Victoires De La Musique ayant un effet des plus
soporifiques tant sur les spectateurs présent dans la salle que sur les
téléspectateurs, surement désœuvrés ce soir-là, qui consentent à subir ce
spectacle devant leur poste de télévision, spectacle n’étant en réalité rien de
plus qu’une démonstration d’autocongratulation d’un seul et même milieu se
regardant le nombril trois heures durant…
À
l’occasion de l’édition 2003 des Victoires De La Musique le groupe de celui qui
demeure certainement l’électricien de la RATP le plus célèbre du pays se voit
nommé dans la catégorie « Révélation de l’année », nomination qui,
avec le recul, peut prêter à sourire lorsque l’on sait qu’à cette époque les
Wampas entraient dans ce qui était, tout de même, la vingtième année
d’existence du groupe. Deux décennies entières passées à écumer la scène
Punk-Rock indépendante française, depuis cette année 1983, pour finalement en devenir,
avec les Béruriers Noirs, les toujours actifs Parabellum et quelques autres,
l’un des principaux représentants. Mieux valait tard que jamais ! L’interprétation
livrée ce soir-là de leur dernier simple en date, Manu Chao[1], si elle fut bien la plus remarquée de la
cérémonie ne leur permis cependant pas de remporter le trophée, ce dernier
échouant en fin de compte à…Kyo !
Toutefois,
pour les Wampas l’essentiel était peut être ailleurs, la reconnaissance
médiatique et l’appui du grand public, toujours lui, étant dès lors au
rendez-vous. En témoignera la suite de leur carrière. Parmi les faits
importants ayant émaillés celle-ci citons tout d’abords une collaboration entre
Didier Wampas et Nicola Sirkis, chanteur et membre originel du groupe
Indochine, sur le duo Harry Poppers[2],
titre dont le texte est dut à Wampas lui-même,
sorti en 2005 sur Alice Et June, dixième opus de Nicola et ses
comparses. Un an plus tard c’est la polémique, née de la parution du single Chirac en prison, qui placera les
Wampas et la sortie de leur neuvième album Rock’N’ Roll Part 9 sous l’œil
médiatique[3]
pour un bon moment. L’année 2007 verra les Wampas s’embarquer dans une
compétition internationale : Celle du concours de l’Eurovision de la
Chanson. Ils ne seront toutefois pas désignés représentants français, coiffés
au poteau qu’ils seront par les Fatals Picards. Leur dixième et dernier album
en date, Les Wampas Sont La Preuve Que Dieu Existe, parait, chez Universal
cette fois, le 29 janvier 2009[4].
Un autre évènement quelque peu marquant pour le groupe se produira au soir du
26 juin 2010, les Wampas investissant la scène du Stade De France en première
partie du concert[5]
qu’Indochine y donné ce soir-là, l’occasion rêvée pour Didier et ses comparses
de délivrer leur Punk-Rock emplit d’énergie, et au style inimitable ou presque,
devant quelque 80 000 spectateurs.
Voilà
à peu près où en étaient restés les Wampas et leur carrière, lorsqu’en 2011 une
petite surprise débarqua sans crier gare dans les bacs des disquaires…
Pour
une surprise, l’album Taisez-Moi en fut une ! Le premier album à être
signé du seul Didier Wampas à sortir un peu moins de trente ans après les
débuts du groupe qu’il a fondé ! Ce premier effort discographique en
solitaire du chanteur doit sa sortie à la volonté de Marc Thonon, patron
d’Atmosphériques, label sur lequel sort cette galette[6]. L’élaboration
de ce disque s’est déroulée outre-Atlantique, à Los Angeles, Ville des anges –
pour qui veut y croire- et incontestable fleuron de l’industrie du spectacle et
du divertissement américaine. Le travail (enregistrement, production,
post-production…) s’est déroulé sur une période d’environ une quinzaine de
jours, sous la houlette de l’ingénieur du son Kevin Harp et de Ryan Ross
(impliqué auparavant sur les productions de Panic At The Disco) qui signe ici
les arrangements. Les musiciens chargés d’œuvrer sur cet opus furent tous
recrutés sur place, tous travaillant aux seins des différents studios pour
diverses sessions d’enregistrement.
Le
disque en lui-même renferme une collection de chansons pour laquelle l’aspect
Rock de la musique qui a constitué les succès des Wampas laisse place à un
ensemble bien plus orienté vers la Pop, le son revêtant également un aspect
légèrement vintage. Didier semble aussi avoir apporté un soin tout particulier
à l’enregistrement de sa voix, celle-ci paraissant, tout au long du disque,
plutôt posée. Plus d’un titre de ce disque rappellera aux connaisseurs quelque
une des plus belle ballades emmiellant régulièrement les albums des Wampas, ce
depuis la parution de Simple et Tendre[7],
leur quatrième opus. Les arrangements sont eux des plus feutrés et très
calibrés, comme l’est la production. A cela s’ajoute une section rythmique qui
souvent se fait discrète. De même, la six cordes délivre assez peu de riffs au
son abrasif, aux notes saturées. Les textes de Didier sont simples, non
dépourvus d’humour bien sûr, sans toutefois que cet aspect ne prenne
l’ascendant sur un aspect se voulant poétique. La poésie de Wampas est ce
qu’elle est et n’a pour le coup pas changé d’un iota. Elle demeure toute
wapasienne et ce n’est pas pour nous déplaire. Au final, Didier offrait en 2011
un disque sympathique et plutôt agréable à écouter. On notera qu’il prenait
aussi le risque de déconcerter les amateurs du son des Wampas œuvrant sur une
contrée au sein de laquelle la musique aux accents Pop semblait devoir occuper
une plus large place que par le passé, sans que le Rock ne se voit lui
totalement oublié.
La tournée
promotionnelle qui suivra la sortie de Taisez-Moi revêt également une certaine
importance au regard de la tournure que devait prendre la carrière en solitaire
de Didier Wampas. En effet pour les besoins de cette dernière, Didier aura
l’idée, plutôt judicieuse, de s’enquiquiner
avec le groupe rennais Bikini Machine. Ce combo s’est originellement
formé en 2001 et s’était depuis lors surtout fait fortement remarquer sur les
scènes de différents grands festivals, parmi ceux-ci citons entre autres :
Les Vieilles Charrues ou les Transmusicales. Plusieurs productions studio ont
parues, sans toutefois que Bikini Machine ne rencontre autre chose que le
succès d’estime au cœur de la scène Rock indépendante[8]. Il
va s’en dire que cette collaboration aura pour effet d’accroitre sensiblement
la visibilité de ce groupe à l’existence artistique autonome.
Cette collaboration
scénique aura pour épilogue Comme Dans Un Garage, opus studio signé
conjointement par Didier Wampas et Bikini Machine et paru en 2013[9].
De ce disque, Didier révélera qu’il fut enregistré Outre-Manche entre les murs d’un
studio à l’équipement exclusivement analogique[10].
En résulte un opus au son volontairement vintage. Un son vintage pour un retour
bien plus marqué au Rock’n’Roll typé des années 60 et 70, si cher aux
deux parties réunies sur ce projet. L’alchimie résultante d’une tournée longue
de déjà presque deux ans entre Wampas et Bikini Machine et également
perceptible dans le coté bien plus direct du son de l’album et même de la
production. Sont toujours présent ici aussi les textes à la teneur si
personnelle dut à Didier. Un disque plus Rock et peut être même plus abouti que
celui l’ayant précédé.
Sugar
& Tiger : Une histoire de famille Pink’n’Roll
Trois albums en trois
ans, c’est le rythme de Didier retraité de la RATP (sa retraite est effective
depuis mai 2012). Ce troisième opus est aussi le tout premier que Didier signe avec son affaire « familiale»,
Sugar & Tiger, et se nomme Télévisage[11].
Télévisage est disponible depuis le 21 avril et parait chez Atmosphériques.
De famille il est en
effet question, Sugar & Tiger se composant de Florence Vicha (Sugar),
Didier Wampas (Tiger), des fils de ce dernier Arnold et Diego, se chargeant
respectivement de la six cordes et de la batterie, et enfin de Jean-Michel
Lejoux (des Wampas) à la guitare- basse.
Le projet qui deviendra
connu sous le nom de Sugar & Tiger a vu le jour il y a environ deux ans à
cause, si l’on en croit le communiqué accompagnant la sortie l’album, de Mike
Brant ! C’est en effet après avoir posé sa voix sur le célèbre morceau Qui Saura du chanteur d’origine israélienne
que Florence Vicha a décidé de poursuivre sur cette voie[12].
Cette volonté aura pour effet de faire participer le couple Sugar & Tiger à
un projet marketing concocté par une marque de vêtement, le but de
celui-ci : publier une compilation de chansons entièrement composée de
titres enregistrés en duo par des couples[13].
Une première démo du travail entrepris par Florence et Didier sera donc envoyée
aux responsables du projet et échouera finalement sur ladite compilation, mais
en tant que piste cachée[14]…
Tout aurait très bien
pu s’arrêter là bien sûr, mais d’autres chansons furent ensuite composées par
le duo, entre Pantin et les États-Unis notamment. Les fils de Didier furent eux
impliqués dans ce projet plus tard, plus précisément à la suite d’un concert
que Didier donna un soir avec eux alors que toute la famille se trouvait en villégiature[15].
L’enregistrement des
onze titres qui composent Télévisage se déroula au sein des Studios 180, à
Paris, en compagnie d’Arnaud Bascunana et Tim Bickford.[16]
La production de l’opus
qui nous occupe ici est très propre, comme l’est la très grande majorité des
productions discographiques actuelles est globalement il est difficile d’y
trouver à redire. Tout juste pourrait-on trouver dommageable que la voix de
Florence Vicha n’est pas été mixée un peu plus en avant sur l’ensemble des
titres, ce qui aurait permis d’accentuer encore plus l’intéressant contraste
existant entre la puissance d’une section rythmique très en verve tout au long
du disque, les riffs de guitares eux aussi très ancrés dans un style Punk-Rock
et la touche de douceur apportée par cette dernière. L’ensemble étant égal et homogène,
ce petit regret n’est, malgré tout, pas des plus rédhibitoires.
Le ton est donné d’emblée,
Paris-Monaco, la plage titulaire de l’opus,
s’ouvrant sur une introduction dotée d’un riff de guitare aux accents punk et
une section rythmique, notamment la batterie, très présente. La six cordes
délivrera par la suite des accords plus « minimalistes », ce qui aura
pour effet de laisser la voix féminine s’installer dans ce premier écrin. Les chœurs
réalisés sur ce titres apportent leur petit plus, avec un Didier s’y faisant
sobrement remarquer.
Batterie et guitares en
verve, toujours, et un rythme qui ne retombe pas sur Chat Uranium. Le chant reste dans le même ton et les chœurs du punk
ouvrier apporte à ce titre bref et plutôt efficace un coté à la fois humoristique
et sympathique.
Même schéma, même teneur pour Sophomore, la troisième piste. La guitare délivre un bon gimmick, répétitif et assez accrocheur. Le contraste
entre la voix et l’instrumentation, déjà évoqué, fonctionne ici efficacement.
C’est la ligne de basse
qui se démarque plus volontiers sur Trestraou,
imprimant d’entrée comme un faux rythme avant que la guitare ne se signale, ce
qui aura pour effet de voir le titre gagner en rythme. Le bref solo de guitare achèvera
de donner à cette composition un coté plus Rock’n’Roll encore.
Johnny
téléphone possède en introduction un riff de guitare bien
senti. La voix semble ici tout de même mixée plus en avant que sur les titre précédents.
Le jeu de batterie se fait toujours aussi carré et calibré. Les chœurs, bien
que discrets demeurent efficaces. Les connaisseurs apprécieront la référence
directe faite à Johnny MacDonald, personnage ayant pointé pour la première fois
le bout de son nez, en 1996, sur l’album Trop Précieux, cinquième opus dut aux
Wampas.[17]
Nous prenons ensuite la
route et traversons la Highway 40 à
vive allure, aidés en cela que nous sommes par La batterie et la gratte électrique.
Didier est au chant pour une performance toute wampasienne et nous délivre un
texte dont lui seul à le secret (qui d’autre que Didier pour écrire du Wampas ?).
De tous les titres, celui-ci est certainement celui qui se rapproche
incontestablement le plus de l’esprit originel des Wampas. Un moment fort sympathique,
duquel bien sûr la drôlerie n’est pas absente.
Henri
restera comme la toute première composition du duo originel Sugar & Tiger,
à l’époque où ce seul et unique titre aurait dut voir le jour. La démo d’origine
de cette chanson est d’ailleurs disponible sur les canaux du Web[18]. Henri donc, assez jolie ballade au
teint bleu ciel amoureux et chatouillant pourvue de grosses lignes de basse,
gimmicks de guitare répétés et martellement de futs aussi régulier que le serait
un métronome.
Arrive ensuite la
chanson Comme Un Chinois, duo mixte,
qui aurait pu se nommer sans problème « Comme les Wampas » tant le rythme
débridé de ce titre, le coté résolument Punk-Rock de toute l’orchestration ou
encore l’humour et se second degré que renferme son texte rappellent sans ciller
quelques une des plus belles productions dues au groupe parisien. Un bon moment
là encore.
C’est le palace du même
nom qui se voit ensuite gratifié sur la chanson Hôtel Raphael. Le tout se fait à pleine vitesse sur fond de
gimmick de six cordes et martellement de futs tonitruant. On remarquera que la
voix prend sur ce titre un peu plus d’espace pour mieux se « détacher »
de l’ensemble.
Le second single
extrait de cet opus, Car C’est Toi,
arrive ensuite. Une ballade simple et appréciable, plutôt vive et avec de bons chœurs.
L’un des titres de cet album qui prendra certainement bien plus d’ampleur lors
des prestations du groupe sur scène.
L’album se clôt avec Noel Chrismas, premier simple produit
pour promouvoir Télévisage. Un titre puissant et rapide au final chanté en
allemand pour un écho non dissimulé au titre Ce soir, c’est Noel ! des Wampas[19]
Il y a des miroirs pour
le visage mais pas de télévisions !
*****
Télévisage, premier
opus de Sugar & Tiger, se révèle être une œuvre musicalement très homogène,
et cela sur toute sa longueur. Les plus sceptiques considèreront peut être
cette homogénéité comme un point faible, révélatrice d’un album au final peu
varié. Il demeure que l’association faite ici entre la Pop et le Punk n’est pas
du plus mauvais acabit. On apprécie la touche féminine et personnelle apportée
par Florence Vicha (texte et chant) même si cette dernière s’affirmera à tous
les coups bien plus sur scène lors des concerts et sur un second album que
cette affaire familiale nous livrera peut-être à l’avenir.
Télévisage a aussi un « avantage »,
celui de se voir presque exclusivement composé de titres brefs, élément qui
rend son écoute aussi rapide qu’aisée, accent étant mis sur l’essence et l’essentiel
des compositions. Des compositions qui, n’en doutons pas, se bonifieront lors
des concerts, cette musique semble de toute façon taillée pour cela.
Pour finir notons que, grâce
à Télévisage, Didier Wampas semble revenir pleinement sur la voie de la Pop
musique, terrain déjà connu de lui par la publication de Taisez-Moi en 2011,
sans toutefois que ses influence premières se voient ici totalement négligées.
En attendant de retrouver
Jean-Michel et Didier au sein des Wampas pour leur onzième album à paraitre, de
revoir et réentendre Didier secondé par le Bikini Machine sur scène et en
studio, ne boudons pas le plaisir de retrouver une nouvelle fois ce zébulon et
de découvrir son nouveau projet qui se révèle à l’écoute fort sympathique !
Liste des titres :
1.
Paris-Monaco
2.
Chat Uranium
3.
Sophomore
4.
Trestraou
5.
Johnny Téléphone
6.
Highway 40
7.
Henri
8.
Comme Un Chinois
9.
Hotel Raphael
10.
Car C’est Toi
11.
Noël Chrismas
Sugar & Tiger, Télevisage, Atmosphériques, 2014.
Xavier Fluet
[1]Single extrait de l’album Never
trust a guy who after having been a punk, is now playing electro, publié sur le label Atmosphériques en
février 2003.
[2] Indochine, Alice et June, Jive/Epic- Sony BMG, 2005
[3] Les Wampas, Rock’N’Roll Part 9, Atmosphériques, 2006
[4] Les
Wampas, Les Wampas Sont La Preuve Que
Dieu Existe, Universal, 2009.
[5] Indochine, Putain De Stade, Universal, 2011
(CD/DVD)
[6] Didier Wampas, Taisez-moi, Atmosphériques, 2011
[8] « Bikini Machine », Wikipedia.org. Lien : http://fr.wikipedia.org/wiki/Bikini_Machine
[9] Didier Wampas & Bikini Machine, Comme Dans Un Garage, Atmosphériques,
2013
[10] Julien Party « L’entretien
de Didier Wampas », avril 2013. Lien : https://www.youtube.com/watch?v=mBz5G9mUqkg
[11] Sugar & Tiger, Télévisage, Atmosphériques, 2013.
[12] Communiqué de presse
[13] Cf. note 10.
[14] Ibid.
[15] Id.
[16] Sugar & Tiger Bandcamp. Lien : http://sugarandtiger.bandcamp.com/
[17] Les Wampas, Trop Précieux, BMG, 1996.
[18] Cf. Note 16.
[19] Les Wampas, Les Wampas vous aiment, 1990.
Un nouveau clip pour Lady Linn!
Après nous avoir charmé avec son premier single « Regret », la belle LADY LINN revient avec « Sassy », une chanson à l’énergie pop entêtante.
Et pour accompagner ce titre, un clip à l’esthétisme fastueux dans une atmosphère juvénile et fougueuse.
A découvrir sans plus attendre !!
Retrouvez ici notre critique de son 3e album "High"
A NOTER DANS VOS AGENDAS
La jeune chanteuse à la voix suave sera en concert le 4 juin prochain au Divan du Monde.
Source: La Gazette De Paris
lundi 14 avril 2014
Chris Martin a rejoint Peter Gabriel sur la scène du Rock and Roll Hall Of Fame.
Le chanteur de Coldplay a rejoint Peter Gabriel sur la scène du Rock and Roll Hall Of Fame.
Aux côtés de Cat Stevens, Linda Ronstadt, Kiss et Nirvana, c’est Peter Gabriel qui était également intronisé lors de cette grande cérémonie.
L’ancien chanteur de Genesis a ouvert la soirée en interprétant "Digging in the Dirt" avant que le chanteur de Coldplay, Chris Martin, n’intervienne sur scène pour commencer son discours d’introduction. Prétextant lire le livre de la Genèse, Chris a prononcé un speech on ne peut plus spirituel en hommage à la carrière de Gabriel.
Ils ont ensuite repris "Whashing of the Water" ensemble.
RnR Hall Of Fame: Ace Frehley arrondit les angles avec Paul Stanley et Gene Simmons
L’ancien guitariste de Kiss arrondit les angles avec Paul Stanley et Gene Simmons.
Nous vous parlions il y a quelques jours du léger accroc survenu entre Ace Frehley et les autres membres fondateurs du groupe de hard-rock, Paul Stanley et Gene Simmons. Pour rappel, ces deux derniers avaient décidé qu’il n’y aurait aucune prestation du groupe lors de la cérémonie. Finalement, il semblerait que la hache de guerre ait été enterrée puisque les quatre membres d’origine de Kiss sont montés ensemble sur scène pour recevoir leur récompense, et cela dans une ambiance paisible.
"Nous sommes des frères dans la famille du rock&roll. La presse semble amplifier le fait qu’on se déteste, mais ce n’est pas le cas. Nous avons eu quelques différends tout au long de ces années, comme tous les groupes de rock." déclare avec philosophie le guitariste qui travaille actuellement sur son premier album solo depuis cinq ans.
Source: Classic 21
Debbie Harry en duo avec Arcade Fire
La chanteuse de Blondie a rejoint Arcade Fire sur la scène du Coachella Festival le temps de deux morceaux.
Debbie Harry a été invitée par les membres du groupe canadien sur la scène de Coachella à l’occcasion du concert de clôture du festival. Ce fut l’occasion pour la chanteuse du groupe new-yorkais de reprendre leur classique "Heart Of Glass" de 1978, épaulée au chant par Régine Chassagne et au piano par Win Butler. Le groupe enchaîna ensuite avec le morceau d’Arcade Fire "Sprawl II (Mountains Beyond Mountains", extrait de l’album ''Suburbs'' de 2010, tandis que Debbie assurait les chœurs en esquissant quelques pas de danse avec la chanteuse du groupe canadien. Win Butler ne présenta l'égérie de Blondie qu’à la fin des morceaux avec un tonitruant "Debbie Fucking Harry, everyone ".
A voir Ici!
dimanche 13 avril 2014
La musique des Red Hot Chili Peppers a été utilisée pour torturer des prisonniers …
La musique des Red Hot Chili Peppers a été utilisée pour torturer des prisonniers …
On savait bien sûr que Guantánamo Bay n’était pas une prison comme les autres, mais un rapport secret révèle aujourd’hui diverses méthodes de tortures utilisées par la CIA en ce lieu. Parmi celles-ci, l’utilisation de musique et notamment, celle des Red Hot Chili Peppers. Ces révélations, par des responsables américains, ont été faites sous couvert de l’anonymat à la chaîne Al Jazeera.
Un passage précis des documents signale qu’un certain Zayn a été soumis à cette forme de torture, enfermé dans une caisse, entouré d’animaux, enchaîné et abruti par de la musique mise à fort volume… Pas sûr que la bande d’Anthony Kieids cautionne ce genre de choses! On se souvient que le même procédé avait été employé avec Metallica, que les musiciens du groupe avaient protesté et demandé qu’il soit mis fin à ces tortures.
Record Store Day: Un vinyl des Doors
Un vinyl des Doors va sortir spécialement pour le Record Store Day qui est la journée annuelle en faveur des disquaires indépendants.
Le but est d’inciter le public à acheter des disques dans des boutiques. La date est fixée au 19 avril. Beaucoup d’artistes ont annoncé des opérations spéciales, notamment des sorties de disques pour donner un coup de main à cette opération ‘culturo-commerciale’. Les Doors seront donc de la partie en proposant Weird Scenes Inside the Goldmine, une ressortie d’une compilation datant de 1972, la première qui soit sortie après la disparition de Jim.
Source: Classic 21
mercredi 9 avril 2014
Détroit sur la route
Le controversé chanteur Bertrand Cantat renoue avec la scène à partir de vendredi en compagnie de son groupe Détroit.
Douze ans après le dernier concert de Noir Désir, le chanteur français Bertrand Cantat fera vendredi son grand retour sur scène avec Détroit, le duo qu'il forme avec Pascal Humbert, pour le début d'une tournée très attendue en France, en Belgique et en Suisse. Un regard sur la billetterie suffit à mesurer l'engouement suscité par le chanteur dont la carrière s'est brutalement arrêtée en 2003.
Lorsqu'ont été annoncés les premiers concerts parisiens du duo, les billets se sont vendus en cinq minutes. Et ceux de la série de concerts dans toute la France, en Belgique, en Suisse et au Luxembourg, qui débute ce vendredi, ont également été largement vendus.
"Ca fait très, très plaisir. C'est génial parce que c'est pur, sans interférence", confiait Bertrand Cantat en décembre, dans une rare interview à une radio française. "Pour moi (ce retour sur scène) représente beaucoup de choses", ajoutait-il, assurant ne pas être animé par "une idée de revanche". "J'espère bien qu'une partie (du public de Détroit) n'aura jamais vu Noir Désir sur scène. (...) On espère que ça ne sera pas comparé, ce n'est pas la même chose", confiait-il. Sur scène, Bertrand Cantat et Pascal Humbert, accompagnés de musiciens, ont promis de mélanger l'ambiance intimiste de leur album avec des moments plus rock. Et ils n'ont pas exclu de puiser dans leurs anciens répertoires. Pour le plus grand plaisir des nostalgiques de "Noir Désir".
Des récompenses pour Puggy
Mélanie De Biasio et Girls in Hawaii ont également été distingués hier soir à Liège.
Puggy a donc remporté l'Octave dans la catégorie ''pop-rock''. La chanteuse jazz Mélanie De Biasio a été récompensée dans la catégorie "album de l'année", tandis que les Girls in Hawaii ont reçu le prix du ''meilleur concert''. Aucun de ces artistes n'était toutefois présent à Liège, tous étant retenus à l'étranger. En jazz, David Linx et Diederik Wissels ont reçu les grâces du jury. Trois Octaves de la musique pour Stromae qui est le grand gagnant de la soirée.
Salvatore Adamo a pour sa part reçu une Octave d'honneur pour l'ensemble de sa carrière et a interprété trois titres avec les 60 musiciens de l'orchestre philharmonique. Il a reçu une Octave d'honneur récompensant ses 50 ans de carrière et ses 80 millions d'albums vendus.
Pour célébrer cette onzième édition et ce dixième anniversaire, d'anciens lauréats se sont produits avec l'orchestre liégeois, comme Joshua, My Little Cheap Dictaphone, Jali, Sharko ou encore Saule.
Damon Albarn, Noel Gallagher un duo ?
Damon Albarn a révélé que l’hypothèse de réaliser un album avec l’ancien guitariste d'Oasis ne le dérangeait pas.
Il ajoute même que c’est une "certaine possibilité" dans l’avenir. Damon confie au NME qu’ils ont discuté tous les deux "au moins une fois" de l'envie de faire de la musique ensemble.
"Je vois encore Noel de temps en temps. On s’envoie des messages. Je ne peux pas dire que ça soit une possibilité précise dans un avenir déterminé, c’est sûr, mais oui nous avons déjà réellement bavardé de ça ensemble" a-t-il déclaré lorsqu’on lui parlait de ce projet.
Il ajoute: "Nous en avons parlé un peu, c’est vrai, mais ça ne sert à rien de s’exciter autour de ça. Je veux dire, il fait ses trucs de son côté, il vient de terminer un album, j’ai un album qui sort moi-même, mais le principe de faire de la musique ensemble c’est quelque chose… Vous savez, il serait plus juste de dire que nous en avons discuté au moins une fois!".
lundi 7 avril 2014
Le nouveau bébé de Slash pour bientot
Slash vient de confirmer que son troisième album solo était terminé.
La date de sortie est déjà retenue, il nous la donnera plus tard a-t-il dit. Il manque juste deux petits détails pour le moment, le titre et le design de la pochette. "Mais on aura tout ça très vite a dit Slash. L’album contiendra 17 morceaux dont un instrumental. Autre info intéressante, il a expliqué qu’il sera de retour en Europe prochainement.
Critique Musicale: Lady Linn - High (2014)
Flashback :
Des débuts à la renommée nationale
C’est le 27 avril 1981
à Gand (dans le district de Sint-Amandsberg plus précisément), dans la région
néerlandophone du Plat Pays, que Lien De Greef, future Lady Linn, voit le jour.
La jeune fille tombera dans la marmite huit ans plus tard et débutera son
apprentissage musical par celui du piano, de là naitra sa volonté de devenir
pianiste. À l’âge de quinze ans se sont ses capacités vocales qui commenceront
à être exploitées, Lien profitant de son intégration au sein d’un tout jeune
groupe de Rock, fondé par des amis, pour
prendre place, en plus de son rôle de claviériste, derrière le micro. Très vite
la demoiselle se découvrira meilleure dans le rôle de vocaliste plutôt que dans
celui de pianiste[1].
Ces premiers pas dans
le monde musical se concrétiseront un peu plus tard, à l’âge de 18 ans, par une poursuite d’études au conservatoire de
Gand pour une période d’environ cinq ans. Cinq années qui permettront à la
jeune femme de se familiariser avec le chant, la musique et la composition
propres au Jazz, sa source d’inspiration et influence majeure.
L’année 2004 marquera
la sortie du conservatoire et le début d’une collaboration nouvelle pour Lien,
celle d’avec le groupe de Pop Bolchi,
emmené par Jeroen De Pessemier. A cette même époque, les prémices d’un nouveau
projet centré sur le Jazz, qui très vite deviendra connu sous le nom de Lady
Linn And Her Magnificient Seven, se mettent en place. Ce projet résulte de la
volonté de Lien de fonder autour d’elle un groupe de Swing Jazz après cinq ans
passés à chanter et jouer du Swing Jazz au conservatoire. Entourée d’amis et de
musiciens qu’elle apprécie, elle parvient à former son propre groupe, qu’elle
qualifie elle-même de « petit Big Band », et joue une musique
fortement inspirée de celle ayant parcourue les années 30 et 40. S’ensuivra
ensuite le quasi-indispensable passage par la case « reprises », pour
une durée de quatre ans, avant que Lien ne se mette finalement à composer ses
propres titres[2].
Dans un entretien
accordé à Cécile Duclos pour le site La Toile De Pandore, publié le 4 avril
2012, De Greef définira le son et le style musical de Lady Linn And Her
Magnificient Seven de la façon suivante :
Pour
moi, c'est un mix, ce n'est pas un style. Les chansons sont plutôt romantiques, je trouve, et positives ! C'est
acoustique, organique. Et puis c'est pop, bien sûr, et il y a sans doute des
influences soul, jazz mais aussi country et bossa ».[3]
Le travail de
composition et d’écriture du petit Big Band belge se concrétise en 2008 avec la
sortie de Here We Go Again, leur premier effort discographique, qui se veut un
disque de Jazz, tant sur la forme que sur le fond, les musiciens ayant
pleinement, et certainement, voulu digérer les quelques années passées à jouer
du Swing Jazz. De cet album on retient avant tout la vivacité des rythmes
divers, les compositions enjouées, une voix au grain reconnaissable, maitrisée
et affirmée et une prédominance des sections de cuivres misent en valeur par
des arrangements conçus sur mesure. Lien confira d’ailleurs qu’à l’époque il lui
semblait avoir écrit ses morceaux en premier lieu pour les cuivres et dans un
seul et unique style : Celui des Big Bands[4]
Toute considération
purement stylistique mise à part, Here We Go Again sera couronné de succès et
permettra au groupe Lady Linn And Her
Magnificient Seven de décrocher leurs premières récompenses nationales
significatives : 2 MIA[5]
dans les catégories « Meilleure interprète féminine » et « Meilleur album pop
». Here We Go Again sera en outre disque de platine en Belgique et sortira chez
nous l’année suivante[6].
Ces débuts très prometteurs
et plutôt remarqués seront suivis par la parution, en 2011, de No Goodbye At
All, second opus de Lady Linn And Her
Magnificient Seven. Cet opus, en plus de marquer une évolution certaine dans le
style du groupe, voit celui-ci entamer une collaboration avec le producteur
Renaud Létang qui lui a par le passé œuvré sur les disques de Manu Chao, Feist,
Émilie Simon, Clémence Lhomme, Gonzales, Alain Souchon, Juliette, Abdel Malik,
Jane Birkin ou Mathieu Boogaerts entre autres.
La collaboration avec
ce producteur s’accompagne d’une nouvelle direction artistique, No Goodbye At
All offrant cette fois à l’auditeur, tout en restant encré dans l’univers du
Jazz, univers dans lequel les cuivres ne sont nullement négligés, une palette
de sons lorgnant désormais vers la Pop. Ce changement notable n’a en rien
émoussé les qualités entrevues sur le premier album et la voix de Lien se voit
parfaitement mise en valeur dans toute cette jouerie Jazz aux contours mâtinés
de Pop, la production de l’ensemble assurant un équilibre parfait au disque,
aux titre le composant, faisant du même
coup de celui-ci un bel écrin. Cette sortie a permis à Lady Linn de toucher un
public plus large au-delà des frontières de la seule musique Jazz.
Lien confira, au sujet
de l’enregistrement de ce second album, que les titres qu’il renferme furent
écrits de manière plus directe que par le passé et sans prise en compte des
futurs arrangements qui viendraient nécessairement garnir ces compositions
nouvelles. La création s’est donc voulue plus libre. Cette nouvelle façon
d’appréhender la composition s’est également traduite sur le laps de temps
nécessaire à l’enregistrement et au mixage du disque, l’ensemble ayant été
finalisé en une quinzaine de jours à peine[7].
De tout ce travail
ressort un disque mêlant sonorités Jazz, Pop et effluves de Soul nimbées d’un
son se voulant à la fois calibré et plus direct. No Goodbye At
All peut être perçu comme une « suite logique » à Here We Go Again de
la part de Lady Linn And Her Magnificient Seven, une suite permettant à la fois
au groupe de consolider les attentes placées en eux suite à la sortie de leur
premier opus (le Jazz et le Swing étant eux toujours présents) et de s’ouvrir,
de séduire un public plus large, le coté Pop plus accentué de cette collection
de nouveau titres offrant désormais un plus large audimat. Si l’on se place de ce
point de vue, Lady Linn And Her Magnificient Seven n’a pas loupé
le coche avec ce second opus, opus qui, en France, est sorti le 19 mars 2012.
Cette sortie sera suivie d’une assez belle carrière hexagonale pour ce disque,
permettant à Lien et son groupe de gagner en visibilité sur les scènes et
chaines de télévision françaises. Manifestement très inspirée à l’époque, Lien
confia même, lors de la promotion de No Goodbye At All, être déjà en train
d’œuvrer à la composition de ce qui devait être son troisième opus[8],
opus sur lequel nous allons désormais nous pencher plus avant.
High :
évolution et prise de risques ?
Après les succès
successifs de ses prédécesseurs, il va sans dire que ce qui devait être le
troisième opus de Lady Linn était pour le moins attendu. Le fonctionnement de
l’industrie musicale l’a mainte fois démontré : nombreux sont les jeunes
groupes à ne pas réussir ce que l’on serait tenté d’appeler « la
passe de trois », la sortie d’un troisième opus étant souvent révélateur
du devenir du groupe en question. Souvent le premier album fait office de
révélateur, le second confirme ou non le potentiel véritable du groupe et le
troisième, si la réussite est au rendez-vous, fait en quelque sorte office de
pierre angulaire dans la discographie et offre
ou non au groupe une place à défendre dans le paysage musical pour les
années à venir. A ce quitte ou double, souvent l’audace paye.
D’audace Linn et son
groupe ne semble pas en avoir manqué et ne pas avoir non plus hésité à prendre
l’adage au mot. En effet La chanteuse a confié dans nos colonnes percevoir la
sortie de ce troisième album comme une étape majeure dans sa carrière :
Celle qui lui permettrait de se défaire de cette étiquette de chanteuse
« rétro » qui semble lui avoir été accolée[9].
Sur cet album la vocaliste de Jazz assume pleinement son attrait pour la
musique House et l’influence qu’a pu avoir sur ses nouvelles compositions son
implication au sein du projet parallèle FCL, groupe pour lequel Linn mets sa
voix aux services de classiques de la House et de la musique noire
nord-américaine. Cette expérience sera qualifiée de « libératoire »
et aura également pour effet de désinhiber la jeune femme à l’entame du
processus d’écriture des titres qui devaient composer l’album qui nous occupe
ici.
L’écriture des titres
s’est elle aussi accompagnée de quelques changements notables, Linn ressentant
le besoin de délaisser quelque peu son piano au profit d’une six cordes durant
l’élaboration des premières démos. Une fois ces démos prêtes celles-ci furent
confiées aux bons soins du guitariste Bruno De Groote qui se chargea des
arrangements guitaristiques de chacune d’elles. Tout ce travail échoua
finalement entre les mains (et les oreilles) du producteur Renaud Létang qui
s’occupa par la suite d’octroyer à chacune des pistes les beats et tempos
adéquats pour l’enregistrement final et édifia du même coup la base sur
laquelle chacun des musiciens viendrait par la suite enregistrer sa partie en
studio.
Cette phase de la production transforma
parfois radicalement certains titres, à une ballade pouvait succéder un morceau
up-tempo par exemple…Voilà en tout cas qui semble témoigner de la fécondité du
travail accompli et mettre en exergue le rôle prépondérant joué par Létang dans
la conception finale de ce disque.
C’est en tout cas bel
et bien à ce dernier que nous devons sur ce disque la présence d’éléments
sonores propre à la Disco, la House ou la Dance, de telle sorte que, selon ce
que nous a confié Lady Linn, le son que
renferme High est vraiment la résultante du travail conjoint des musiciens et
Renaud Létang, ayant vraiment su mettre à profit la liberté qui leur étaient
donnée sur cet enregistrement[10].
Combiner cette fois la
musique Pop aux influences Disco, House, Soul, R&B, Reggae, Gospel et Folk
pour mieux laisser de côté le Swing Jazz des années 40, ce pari pouvait sembler
risquer, c’est pourtant celui que toute l’équipe à tenter de relever en sortant
High !
Une
collection de chansons « honnêtes et fraiches »
High sera dans les bacs
dès le 31 mars prochain. La production du disque est irréprochable, le son est
à la fois « carré » et « calibré ». On ne décèlera pas
d’esbroufe ou un quelconque défaut de
surproduction : Chaque ligne instrumentale est propre et peaufinée, aucun
instrument ne se voit négligé au profit d’un autre non plus. La voix très Soul
de Linn est, elle vraiment mise en avant sur toute la longueur de l’album. En
plus du son, c’est là un premier vecteur d’unicité pour ce disque.
De jolis accords de
guitare acoustique introduisent Regret,
plage titulaire et premier simple extrait de cet opus, avant de soutenir la
voix de Linn qui d’entrée est parfaitement mise en avant et en valeur. Le titre
recèle une agréable mélodie et est très efficacement soutenu en son milieu par
un gimmick de batterie plutôt discret. Un titre bref et une entrée en matières
très légerement tentée de Folk efficace.
High
arrive ensuite. Ce titre, qui fut le premier à être enregistré en studio et est
directement inspiré par Le soulman Charles Bradley, est un up-tempo efficace
pourvu d’un beat synthétique et de riffs
guitaristiques légèrement saturés et énergiques auxquels vient se plaquer La
voix mixée en avant. La ligne de basse est ronde et très présente. L’utilisation
faites d’overdubs et la présence d’une nappe de synthétiseur en conclusion du
morceau accentue son côté très Disco.
Avec Build
Up c’est sur une boucle de synthétiseur et de boite à rythme minimaliste,
mais au demeurant efficace, que vient se lover la voix chaude de Linn qui, dans
ce phrasé plaintif, se part d’accents proches du Gospel. Ce titre est lent, sa
ligne de basse massive et son écoute attentive laisse percevoir de discrètes
racines jazzy à cette ballade mélodique.
Un gimmick de clavier
et une rythmique efficace mais non envahissante servent de cadre au crêpage de
chignon dépeint dans le titre Sassy.
Après le Gospel c’est au R’n’B des années 90 que Linn empreinte quelques
accents du plus bel effet.
Nous avons ensuite
droit au titre The Beat, pièce
centrale et à la fois la plus longue du disque. Cette position au sein de ce
recueil de chanson ne tient selon nous pas d’un complet hasard. Très rythmé, ce
titre semble plutôt assez représentatif du travail de Renaud Létang. Un refrain
profondément Pop et très efficace cohabite judicieusement avec un beat de
synthétiseur, une boucle de boite à rythme, une excellente ligne de basse pour
un rendu très carré et propre de l’ensemble.
Une rythmique à la fois
lente et massive soutenue par des accords de guitares minimalistes servant
d’écrin à la voix, ce sont là les composantes de la chanson Remember.
C’est d’une rythmique
emplit d’effluves Jazz dont est doté le titre Drive. Un titre qui, sur un tempo modéré, nous délivre un son Pop
et enjoué pour un joli moment.
Never
donne ensuite à entendre une ligne de basse massive, un gimmick de piano
accrocheur et des percussions aussi discrètes qu’efficaces à l’édification de
l’écrin sonore dans lequel une voix aux accents Soul et R’n’B se déploie au
long de cette ballade.
Le titre Back arrive ensuite, paré de ses accords
de guitare électrique, secondé par un gimmick légèrement plus abrasif et une
rythmique « carrée », cette dernière n’étant nullement envahissante.
Le chant redevient prioritairement jazzy et se place très à propos dans
l’ensemble. La présence, ici plus marquée, de la section de cuivre rappellera
aux auditeurs de longue date les précédents enregistrements. Ce titre est en
lui-même un mélange d’influences diverses réussi!
L’opus se clôt avec le
très beau Feeling Me, un morceau que
Linn a confié avoir enregistré pour la toute première fois de façon a capella à
l’aide de son répondeur avant d’en finaliser une version dance et énergique,
pour finalement décider d’en revenir à la version « messagerie »
originelle. Un moment de piano/voix que l’on pourrait apprécier comme étant une
véritable tangente opérée par l’artiste au regard des albums précédents et qui
suffira à convaincre une fois pour toutes des qualités vocales remarquables que
possède Linn (et qui, par la même occasion, devrait permettre de faire cesser
certaines comparaisons avec d’autres chanteuses, que nous jugeons parfois trop
hâtives…) Un moment dépouillé pour une conclusion se faisant sur une note de
douceur.
« Suddenly
I feel So free
I
say goodbye to all my worries
Taken
over by
By
this energy
Wich
I didn’t know that I had inside of me »
*****
Entre les deux pôles
plutôt acoustiques que sont les titres
Regret et Feeling Me Lady Linn et
son groupe ont su nous donner à entendre une nouvelle facette de leur
savoir-faire, auquel s’ajoute celui, indispensable, de leur producteur Renaud
Létang à leurs côtés pour la seconde fois. Ce troisième opus aura de quoi
surprendre, décontenancer même, les amateurs de Jazz ayant particulièrement appréciés
Here We Go Again et No Goodbye At All. Avec High, place est ici faite à une
plus grande spontanéité, les musiciens se libèrent des contraintes et carcans
du genre dans lequel ils œuvrés par le passé, ils expérimentent aussi bien
plus. En d’autres termes, ils ont su prendre des risques, notamment celui de
déplaire à une certaine frange de leur public déjà acquis, pour relever le défi
du troisième album et faire ainsi « la passe de trois ». Cela s’est fait dans l’ornière d’une musique
certes plus « mainstream » et commerciale mais ce groupe ne s’est en
aucun cas déparé de ce qui fait son originalité. Cette nouvelle direction
artistique séduira à n’en pas douter un grand nombre d’auditeurs. Et ils
possèdent de toute façon bien assez d’atout pour que le successeur de High
renferme les mêmes qualités…
En attendant, on
appréciera cet audacieux melting-pot d’influences aussi diverses que variées et
concentrées en un disque pour le moins appréciable !
Liste des titres :
1.
Regret
2.
High
3.
Build Up
4.
Sassy
5.
The Beat
6.
Remember
7.
Drive
8.
Never
9.
Back
10.
Feeling Me
Lady Linn, High, Universal Music France
Xavier Fluet @GazetteDeParis
[1]
Xavier Fluet, « Lady
Linn : « High ? Des chansons pop honnêtes et fraiches ! », La Gazette De Paris, 19/03/2014. Lien : http://gazetteparis.fr/2014/03/19/musique-lady-linn-high-des-chansons-pop-honnetes-et-fraiches/
[2]
Cécile Duclos, « Interview
de Lady Linn, une drama queen inspirée », La Toile De Pandore, 04/04/2012. Lien : http://www.latoiledepandore.fr/2012/04/interview-de-lady-linn-une-drama-queen.html
[3]
Ibid.
[6]
Id. Cf. note 2
[8]
Id.
[9] Cf.
Note 1
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